Разложение основ. Как немецкий художник Ансельм Кифер осмыслял ответственность немцев за катастрофы Второй мировой

Ансельм Кифер родился и вырос буквально среди руин и обломков, которые оставила после себя Вторая мировая война. Этот биографический факт станет фундаментом его творчества: пейзажи разрушенной страны, битое стекло, ржавые конструкции и мертвые деревья — неотъемлемая часть картин Кифера.

В юности Кифер изучал право и романистику, однако в какой-то момент переключился на искусство. Его учителями стали Петер Дреер и Йозеф Бойс. Эти мастера, особенно Бойс с его интересом к мистицизму и оккультизму, оказали большое влияние на Кифера, перенявшего у них любовь к изображению индустриальных пространств.

Кифер начал свою карьеру в 1969 году с перформанса под названием «Оккупации». В рамках этого проекта он посещал исторически значимые места европейских городов и снимался там с поднятой в нацистском приветствии рукой. Большое расстояние, с которого сняты эти фотографии, и черно-белая гамма создают атмосферу неопределенности: сложно понять, архивные это снимки или современные.

В 1971 году Кифер переехал в Хорнбах. Одной из интересных черт его картин этого периода служат надписи — имена людей и названия различных мест. Одновременно Кифер увлекся экспрессионизмом и вошел в движение «Новые дикие». В 1991 году он покидает Германию и отправляется в путешествие по миру. Вернувшись в Европу, он обосновался во французском городе Баржак. В своих монументальных работах, такие как «Семь небесных дворцов» (2004), Кифер противостоит темному прошлому своей родины.

В 2008 году Кифер перенес свою студию в пригород Парижа, использовав бывший универмаг La Samaritaine в качестве творческого пространства. В 2011 году он приобрел заброшенную атомную электростанцию в Германии, где разместил свои арт-объекты.

Основные творческие этапы и темы

Творческую деятельность Кифера делят на три этапа. Первый длился с 1971 по 1991 год и получил название немецкого периода, когда Кифер захватил в Хорнбахе старый кирпичный завод и переделал его под студию. Следующий (1991-2008) называют первым французским периодом — в это время студией Киферу служила заброшенная шелковая фабрика в Баржаке. Третий этап, продолжающийся по сей день, связан с его работой в Париже.

Большинство работ Ансельма Кифера связаны с немецкой культурой и историей. Они охватывают множество тем: мифологию, литературу, музыку, философию, топографию, архитектуру и народные обычаи. Среди прочего Кифер обращается к произведениям Вагнера и Гете. Часто эти отсылки к немецкой культуре связываются c пропагандой Третьего рейха.

«После катастрофы, как мы теперь эвфемистически это называем, люди думали, что в 1945 мы начали с чистого листа. Это абсурд. Прошлое подвергли табу, и всякое его повторное осмысление вызывает сопротивление и отвращение», — говорил Кифер.

Кифер часто изображает Вторую мировую, Холокост и послевоенную судьбу Германии. Наиболее яркие примеры таких работ — картины «Маргарита» (1981) и «Суламита» (1983), вдохновленные стихотворением Пауля Целана «Фуга смерти» о трагедии Холокоста. В «Маргарите» Кифер использует такие образы, как пепел, солому и огонь. Они символизируют разрушение и смерть, память о жертвах войны. Контраст между белыми и черными красками подчеркивает противоположность жизни и смерти, надежды и отчаяния. В картине «Герои немецкого духа» (1973) Кифер обращается к теме нацизма и послевоенной вины Германии. Он погружает зрителя в мрачные разрушенные пейзажи, наполненные символами, которые вызывают ощущение утраты и внутренней борьбы.

Мифологию и религию Кифер использует как инструмент для исследования коллективной памяти и культурной идентичности. В работе «Ацилут» (2004) он использует библейскую и каббалистическую символику, связанную с древом жизни, соединяющим небеса и землю. С помощью этого образа Кифер говорит о возможности духовного возрождения. Он объединяет элементы из различных культурных и религиозных традиций, демонстрирующие универсальность духовного поиска.

Используя природные материалы (землю, растения, металл), Кифер показывает, как время неизбежно разрушает все созданное человеком. Его картинам свойственно ощущение запустения и разложения, соседствующее с надеждой на обновление. Разрушение оказывается частью естественного цикла, в котором рождаются новые формы жизни и творчества. В работе «Пепельный цветок» (Ash Flower) посредством пепла и свинца Кифер изображает разрушение и преображение в природе и человеческой душе.

Свинец мастер ассоциирует с тяжестью и в то же время трансформацией. Пепел же выступает символом разрушения и обновления. Солома и глина указывают на хрупкость и изменчивость жизни, стекло — на непреодолимый барьер между скрытым и видимым. Органика подчеркивает интерес Кифера к естественным процессам и природе.

Работы Кифера отличаются масштабностью. Его произведения часто занимают огромные пространства, оказывая мощное визуальное и эмоциональное воздействие на зрителя. Так художник заставляет зрителя ощутить значимость истории и прочувствовать глубину трагедий, с которыми сталкивалось человечество.

Мотив разрушения особенно заметен в творчестве Кифера, чье внимание приковано к силам, способным уничтожить целую цивилизацию. Картина «Горящие жезлы» изобличает последствия чернобыльской аварии. Сама ядерная энергия при этом обладает потенциалом, за счет которого можно как разрушать, так и созидать. В работе «Осирис и Исида» Кифер также показывает, что разрушение может привести к возрождению.

Мнения критиков

Критик Нэнси Мармер подчеркивает, что наполненные жестокостью древние мифы помогают Киферу выразить травмы, полученные Германией во время Второй мировой. По мнению Дональда Каспита, художник анализирует трагедии прошлого через призму романтического восприятия и субъективный опыт. Кифер принимает неизбежность истории во всем ее ужасе, но при этом создает иллюзии, поддерживающие волю к жизни.

Работы Кифера, несмотря на кажущуюся «мертвую текстуру», обладают чувственной насыщенностью, противостоящей бессмысленности исторических трагедий. Таким образом, Кифер помогает зрителю не убегать от реальности, а восстановить связь с жизнью через осмысление прошлого. Тем не менее, на взгляд Каспита, разрушение все же ближе Киферу, чем созидание. Акты разрушения становятся у него частью творческого процесса: он сжигает холсты, накладывает на картины свинец, оставляющий следы повреждений.

Выбор материала сам по себе нередко связан с разрушением: например, художник использовал в своих работах фрагменты крыши Кельнского собора. Искусствовед Анна Ковалева-Милорадович указывает, что архитектурные конструкции на его полотнах тонут в живописной текстуре и часто выполнены из свинца — материала, несущего в себе идею изменчивости всего, в том числе человеческой природы. Свинец у Кифера метафорически проходит через алхимический процесс — разделение, очищение и синтез — символизирующий возможность нового начала.

Историю Кифер рассматривает как глину — материал, из которого можно создать что-то новое, дающий надежду на будущее.

Алина Михина, художник, искусcтвовeд:

«Искусство Ансельма Кифера вызывает противоречивые чувства. Такого эффекта художник добивается, используя совершенно разные материалы и соединяя различные формы. Его инсталляции часто располагаются в исторических зданиях, что приводит к оксюморону в глазах зрителя. Они выглядят незаконченными, порой являются результатом разрушения. Тем самым он побуждает нас к размышлению о взаимосвязи прошлого и будущего (на примере истории Германии), разрушения, бездействия и созидания. Новое появится только тогда, когда мы откажемся от старого, — вот лейтмотив его творчества.

Картины Кифера служат одновременно и мрачным напоминанием о трагедиях прошлого, и дают надежду на будущее, где из разрушения может возникнуть нечто новое и прекрасное. Как сказал сам Кифер, „для кого-то руины — это конец, но если есть руины, то всегда можно начать сначала“».

Еще пять постмодернистских художников

Герхард Рихтер

В работах Герхарда Рихтера (р. 1932) отразились сложные взаимодействия между фотографией и живописью, абстрактным и фигуративным искусством. В своем творчестве Рихтер исследует темы памяти и истории, выстраивая диалог с прошлым через как будто бы случайные, но многослойные композиции. Сомнение в подлинности визуальных образов, недоверие к идеологическим интерпретациям позволяют Рихтеру играть с различными идеями в живописи, которая выступает методом анализа действительности.

Как и Кифер, Рихтер стремится к осмыслению истории и памяти, травматических событий XX века. Его цикл «18 октября 1977 года» посвящен леворадикальной террористической группировке Rote Armee Fraktion. Оба художника используют материалы и визуальные приемы, напоминающие о разрушениях и утрате. Серые картины Рихтера, сделанные по фотографиям, перекликаются с текстурированными полотнами Кифера о Холокосте.

Йозеф Бойс

Йозеф Бойс (1921-1986) — не только учитель Кифера, но и сам крупный художник и теоретик постмодернизма, акцентировавший внимание на социальных и экологических проблемах. Самые известные его перформансы — «Как объяснить картины мертвому зайцу» и «Койот: я люблю Америку, и Америка любит меня». Он тоже обращался к темам войны и национальной памяти, рассматривая искусство как средство преодоления исторической травмы. Бойс часто использовал природные и бытовые материалы (войлок, жир, ржавые предметы), чтобы подчеркнуть цикличность жизни и природы.

Кристиан Болтански

На творчество родившегося в 1944 году в Париже Кристиана Болтански повлияла трагедия Холокоста, затронувшая его семью. В масштабных инсталляциях, фотографиях и видео-арте он исследует человеческую хрупкость и неизбежность забвения. Отдельно его интересует феномен личных и семейных архивов: создавая псевдоархивы, он пытается поймать ускользающие моменты жизни, через определенные предметы (например, одежду) подчеркивая сущность человека и его память.

Зигмар Польке

Подход Зигмара Польке (1941-2010) объединил поп-арт, ироничные визуальные цитаты и элементы абсурда. Он использовал ткани с набивным рисунком, химические вещества, меняющие цвет, и даже картофель. Польке трансформировал визуальные образы, переводя их из реального мира в мир искусства. Даже самые обыденные предметы служили для него источником юмора и иронии.

Луиз Буржуа

Луиз Буржуа (1911-2010) прославилась автобиографическими скульптурами и инсталляциями, которые отражали ее внутренние травмы, связанные с непростыми отношениями с отцом и утратой матери. Она тоже прибегала к самым разным материалам, от латекса до мрамора. Скульптуры пауков, посвященные матери Буржуа, стали одним из самых узнаваемых образов в современном искусстве.