Как показать солнце. 8 книг, чтобы познакомиться с послевоенным искусством Японии
Как менялось искусство послевоенной Японии? Что за произведения создавали американцы японского происхождения, отправленные в лагеря во время Второй мировой? Что произошло в японском искусстве, когда политизация общества снизилась? Японовед и историк искусства Виктор Белозёров представляет восемь самых важных книг об искусстве Японии второй половины XX века.
Онлайн-курс «Как показать солнце: японская культура в СССР», который недавно появился на сайте Музея современного искусства «Гараж», рассказывает о том, какую форму приняла японская культура в Советском Союзе, как идеологические и эстетические требования влияли на формы искусства и художников, чьи работы показывали в стране. В этой подборке книг затрагивается обратная сторона японского искусства, которая не могла быть показана в СССР, но была неотъемлемой частью локального и международного представления о современном японском искусстве. Восемь книг расскажут и покажут, чем жило и каким в действительности было искусство Японии в послевоенный период. Все упомянутые книги, а также еще несколько десятков работ на тему японского искусства, архитектуры и фотографии можно увидеть собственными глазами в библиотеке Музея современного искусства «Гараж».
Japanese Art After 1945: Scream Against the Sky
Александра Манро
Каталог одноименной выставки 1994 года в Музее Гуггенхайма, без которой невозможно представить полномасштабный выход современного японского искусства на глобальную арену и появление нескольких поколений исследователей, заинтересованных в изучении японского искусства XX века. Тексты ведущих специалистов в области японского искусства и культуры XX века помогут разобраться во всех основных явлениях: от первых экспериментов в живописи 1950-х годов до видео-арта, от японского следа в американском искусстве до концептуального искусства конца 1960-х. Книга включает в себя не только ожидаемо большое количество иллюстраций, но и внушительное приложение, где можно найти информацию о разных коллективах художников, теоретические тексты и манифесты. Книга обязательна для тех, кто хочет начать свою одиссею в искусство Японии второй половины XX века. А для тех, кто далек от специфики и проблем современного искусства стран Азии, это хорошая возможность дополнить исследовательскую оптику, изменив свой взгляд на ультимативное утверждение, что всё и всегда происходит только в Европе или США.
From Postwar to Postmodern, Art in Japan, 1945–1989: Primary Documents (MoMa Primary Documents)
Дорюн Чонг, Митио Хаяси, Фумихико Сумотомо, Кэндзи Кадзия
From Postwar to Postmodern, Art in Japan, 1945–1989: Primary Documents — идеальный компаньон и тяжеловесный спутник предыдущей работы из этой подборки. Если книга Александры Манро пытается обрисовать событийный контекст, то это издание является его документальным подтверждением. Ценнейший набор теоретических текстов, газетных и журнальных статей, манифестов, расшифровок круглых столов позволит понять сущность всех тех процессов, которые шли на протяжении нескольких десятилетий в художественной среде Японии. Тексты не только касаются темы визуального искусства, но и затрагивают саунд-арт, расширенное кино и видео-арт, фотографию, танец буто, перформативные и экспериментальные практики, архитектуру и урбанистику. Это издание поможет понять, как рождались авангардные практики послевоенного времени, как Яёи Кусама выстраивала свои художественные стратегии за рубежом, как архитектор Арата Исодзаки понимал пространство в архитектуре и какое место японское искусство занимало в противостоянии Востока и Запада. Украшает обложку книги яркая картина Ацуко Танаки, зовущая вас с собой в путешествие по годам послевоенного искусства Японии.
Since Meiji: Perspectives on the Japanese Visual Arts, 1868–2000
Джон Томас Раймер
Сборник из семнадцати статей, которые охватывают период трансформации искусства и его понимания в Японии. Трансформация в данном случае является ключевым словом, поскольку повествование в книге начинается с момента появления и адаптирования западной живописи в эпоху Мэйдзи (1868–1912), а заканчивается рассмотрением процессов принятия и переиначивания современных явлений в области архитектуры, визуальных искусств и моды.
Авторы статей анализируют ключевые моменты слома предыдущей реальности: динамичные 1920-е годы и появление неоконструктивизма в лице группы MAVO; военно-патриотическая живопись времен Тихоокеанской войны, ее слом и переход в репортажную, нацеленную на отображение травм и перестройки японского сознания в конце 1940-х — начале 1950-х годов. Находится место и осмыслению институциональных процессов в Японии 1960-х, возникновения независимых выставочных пространств и международных мероприятий. Сборник построен таким образом, что мерцание между годами позволяет изучить преемственность явлений прошлого и настоящего, сохраняя при этом наиболее полное и связное понимание происходящего.
Электронная версия книги продается здесь.
The Stakes of Exposure: Anxious Bodies in Postwar Japanese Art
Намико Кунимото
В книге Намико Кунимото тема телесности становится основной. Автор пытается описать процессы трансформации отношения к собственному телу внутри японского общества и в искусстве на примере творчества четырех художников: Юки Кацуры, Хироси Накамуры, Ацуко Танаки, Кадзуо Сираги. Все они принадлежали к поколению, которое либо принимало участие в войне, либо соприкасалось с разрушениями, оставленными войной, и ощущало ответственность за случившееся. Послевоенные годы позволили людям обрести право на свое прежде стигматизированное тело, вырвав его из рук государства. Это высвобождение было непростым: послевоенный голод, атомные бомбардировки, трагедия Минамата — всё это находило отражение в искусстве и ощущениях меняющейся телесности. Не только вышеназванные художники, но также «Организаторы нео-дада» или практики танца буто были связаны с трансформацией телесного, это был широкий, массивный пласт послевоенного искусства, который растянулся почти на двадцать лет и подошел к своему логическому завершению в начале 1970-х, со снижением интереса к политическому в обществе. Намико Кунимото пишет о бунтующем и протестном теле послевоенного времени, к ее исчерпывающему исследованию стоит обратиться, чтобы подробнее узнать о том, что происходило с видением собственной телесности у японских художников.
Введение можно прочесть здесь.
Radicals and Realists in the Japanese Nonverbal Arts: The Avant-garde Rejection of Modernism
Томас Хейвенс
1950-е и 1960-е годы стали ключевыми десятилетиями для становления авангардного искусства среди японских художников от Токио до Киото. Книга Томаса Хейвенса посвящена анализу деятельности сразу нескольких коллективов того периода: «Гутай», «Кюсю-ха», «Моно-ха», «Организаторы нео-дада», «Хай Рэд Центр». Подробно описывая практики каждого коллектива, автор показывает широчайший подход и изобретательность, с которой японские художники того времени пытались охватить окружающую их реальность и сделать ее своей. Не обойдется и без разговора о выставочных площадках, независимых выставках «Ёмиури» и знаменитом центре «Согэцу», где проходили многие события в области перформативных и музыкальных практик. Кульминацией книги становится «ЭКСПО-70», знаменитая международная выставка в Осаке, которая навсегда изменила атмосферу внутри художественного сообщества, подведя итоги первых двух десятилетий послевоенного времени.
Рецензия на книгу представлена здесь.
The Art of Gaman: Arts and Crafts from the Japanese American Internment Camps 1942–1946
Дельфин Хирасуна
Внутри курса «Как показать солнце: японская культура в СССР», в рамках темы японских интернированных в СССР, важно было проговорить момент художественной рефлексии, с которым столкнулись многие пленные, пытавшиеся отобразить свои воспоминания в рисунках и живописи. Данная книга обращается к схожей истории, касаясь не самого известного сюжета, связанного с релокацией более 120 тысяч японцев, проживавших в США, в лагеря во время Второй мировой войны. Американские власти видели в них угрозу и потенциальных шпионов, поэтому привычный ритм жизни многих японцев, большинство из которых даже не думали возвращаться в Японию или способствовать каким-либо образом милитаристскому режиму, был прерван. Массы людей, оказавшись в условиях несвободы и последующей стигматизации, обратились к искусству, подтверждая тезис о том, что оно способно родиться в любых обстоятельствах.
Автор этой книги, Дельфин Хирасуна, провела много времени в поисках тех предметов, что хранились у нескольких поколений японцев в гаражах и на чердаках, скрытые от истории и болезненных воспоминаний. Ее труд способствовал началу большого разговора о том, что самобытное искусство, рожденное в несвободе, способно рассказать нам не только об опыте переживания этих событий, но и о формах надежды, что противостояли обстоятельствам извне в борьбе за свободную жизнь.
Рецензия на книгу представлена здесь.
Art and Engagement in Early Postwar Japan
Джастин Джести
Исследование Джастина Джести посвящено раннему периоду послевоенного искусства Японии, который в наибольшей степени перекликается с тем, что могло демонстрироваться на выставках в СССР. Сюжеты, связанные с разрухой городов, анализом последствий войны, строительством американских военных баз, ощущением проигравшей стороны, борьбой народа за свои права, — все они ложились в основу раннего послевоенного искусства. Книга сфокусирована на документальной живописи и тех художниках (Хироси Накамура, Тацуо Икэда, Хироси Кацурагава), которые в наибольшей степени в своих практиках обращались к переходным годам американской оккупации (1945–1952) и роли японского общества в новое для страны время. Издание наглядно демонстрирует сплетенную динамику развития художественного и общественно-политического — к примеру, общеизвестный сюжет в Японии того времени: запрет на публичное освещение событий атомных бомбардировок, с которым столкнулись художники Ири и Тосико Маруки. Об этом, как и о многих других перипетиях первых послевоенных инициатив в области искусства, рассказывает книга Джастина Джести.
Электронная версия продается здесь.
Двойная перспектива: Современное искусство Японии
Каталог одноименной выставки 2012 года в Московском музее современного искусства — лучшее, что случалось с современным японским искусством в российском пространстве. Как каталог, так и выставка сумели вобрать в себя разнообразные имена в диапазоне от 1970-х до начала 2010-х годов. Помимо целой плеяды имен, за счет которых каталог очерчивает две траектории развития японского искусства в русле «Реальный мир / Повседневность» и «Воображаемый мир / Фантазии», в нем спрятались и важные тексты, в том числе о группе концептуалистов «Моно-ха», диалоги с Такаси Мураками, размышления на тему будущего художественного мира Японии. Если вышеупомянутые книги во многом сконцентрированы на послевоенном периоде, то этот каталог — хороший повод познакомиться с японским искусством последних десятилетий.