Научно-популярное изданіе «Мечъ» ищетъ мастера графическихъ искусствъ. Графический дизайн в России начала XX века

Термина «графический дизайн» в эпоху Николая II не существовало. Вместо него использовали другой: «графическое искусство» — так называли умение сделать красивый рисунок, оформить его и размножить типографским способом. Услугами художников-графиков пользовались издатели — для украшения книг, газет, журналов, и предприниматели — для рекламы своего продукта. Мастер графических искусств начала XX века разбирался в художественных стилях, умело сочетал шрифты с орнаментом, следил за европейской модой. Как могло выглядеть объявление о поиске дизайнера 120 лет назад? Показывает несуществующий научно-популярный журнал «Мечъ».

«Меч»  современное молодежное издание. Наш иллюстратор должен следить за последними веяниями в искусстве

В конце XIX века в Европе зародился новый художественный стиль. В разных странах он назывался по-разному: во Франции — ар-нуво, в Италии — либерти, в Германии — югендстиль. В Россию он проник практически без опозданий и получил название модерна.

Модерн — порождение нового витка промышленной революции. В Европе, России, Америке фабрики и заводы тысячами штамповали однотипные вещи, росли города, их улицы застраивались одинаковыми «муравейниками». В итоге людям потребовались вещи оригинальных внешних форм, чтобы скрасить унылую реальность.

Читайте также

Spotify дореволюционной России: плейлист эпохи последнего императора

И они появились. Центральными мотивами модерна стали цветы, листья, неестественно извивающиеся стебли и женские образы со «змеиными» волосами. Все линии, будь то детали металлических ворот или рамка вокруг изображения (новый стиль охватил все виды искусства, от живописи до архитектуры), изгибаются в хаотичной манере и вплетаются в растительные орнаменты.

Энциклопедический пример изображения в стиле модерн. Девушка, цветочный орнамент, «непокорные» линии — все составляющие на месте. Источник

«Главный мотив орнаментов, как плоских, так и лепных, — извилина, что-то вроде бойких, затейливых каллиграфических росчерков — с одной стороны; стебли и сучья растений, местами даже человеческий костяк — с другой стороны. <…> Французская публика окрестила этот стиль выражением coup de fouet, намекая на то, что рисунок извилин напоминает веревку кнута в размахе», — точно характеризовал модерн русский архитектор Г. Равич.

Модерн с самого начала создавался как дизайнерский стиль, призванный разнообразить повседневность, и лучше всего он проявил себя в торговле. Как привлечь внимание искушенного потребителя, когда на прилавках огромное множество одинаковых товаров? Необычной этикеткой!

Обертка карамели «Стильная» в стиле модерн. Источник

Листва и женские образы — популярные, но не обязательные элементы стиля. Иногда модерн и вовсе обходился без «живых» украшений. Достаточно, чтобы всё изображение состояло из извилистых линий.

Источник

Книга «Славянский и восточный орнамент по рукописям древнего и нового времени» для вас  не пустой звук. Неорусский стиль всё еще в моде

Во второй половине XIX века в русской архитектуре и живописи набрал популярность неорусский стиль. Его последователи возрождали визуальные образы допетровской Руси: зарисовывали древнерусские орнаменты и деревянную резьбу, домашнюю и церковную утварь, храмовые украшения и использовали их для создания собственных произведений, которые стилизовали под предметы старины.

К возникновению неорусского стиля привели отмена крепостного права и бурное развитие революционно-демократических идей. Образованная часть общества заинтересовалась проблемой национального самосознания и самоопределения, повысился интерес к историческому прошлому, русский фольклор вошел в моду. Расцвет неорусского стиля пришелся на годы правления царя-консерватора Александра III (1881–1894).

Значительный вклад в развитие неорусского стиля внес художественный критик и историк искусств Владимир Стасов. В 1887 году он выпустил трехтомный труд «Славянский и восточный орнамент по ру­кописям древнего и нового времени», который стал настольной книгой любого художника-неорусиста.

Новгородский орнамент XIII–XIV веков из книги В. Стасова. Источник

Выдающийся представитель неорусского стиля — художник Виктор Васнецов, один из первых неорусистов, обратившийся к сказочному фольклору. В его картинах и иллюстрациях древнерусская эстетика (костюмы, орнаменты, церковно-славянский шрифт) переплеталась с фантастическими образами, сказка обретала черты реальности. Порожденная русским фольклором, живопись Васнецова со временем сама стала народной классикой — достаточно вспомнить «Богатырей» и «Аленушку».

Виктор Васнецов, «Иван-царевич на Сером Волке», 1889 год. Источник

Путь в графический дизайн неорусскому стилю проложил Иван Билибин — первый из русских художников, посвятивший себя профессии дизайнера-графика. Билибин мастерски использовал шрифты древнерусских рукописей, орнаменты и прекрасно разбирался в бытовой культуре допетровской Руси. Это придавало его иллюстрациям этнографическую точность и достоверность.

Иван Билибин, иллюстрация к «Сказке о царе Салтане». Источник
Иван Билибин, плакат к изданию книги «Сказки». Источник

Разделяете творческие взгляды передвижников? Увы, но нам не по пути. Подписчик журнала «Мир искусства», открытый всему новому, — вот кого мы ищем

Творческое объединение «Мир искусства» появилось в 1898 году. Его основали художники Александр Бенуа, Лев Бакст, Константин Сомов, Мстислав Добужинский, Евгений Лансере и антрепренер Сергей Дягилев. Некоторые мирискусники были знакомы с юности и еще в гимназические годы вместе обсуждали музыку, живопись, историю искусств. К концу XIX века это увлечение вылилось в создание «Мира искусства» и одноименного журнала, выходившего с 1898 по 1904 год.

Совместное фото художников «Мира искусства», 1914 год. Источник

В основе творчества мирискусников лежала ретроспективность — они тяготели к эстетике прошлого: к временам Петра I, Людовика XIV, эпохе Пушкина и дворянским усадьбам.

«От нее веет гравю­рами XVIII века, вышитыми бисером закладками, цветами, засушенными в старых фолиантах, милой узорной ветошью антиквара, дедовским бюро, где в потайном ящике случайно находишь масонский перстень», — писал о ретроспективной графике «Мира искусства» современник.

Члены объединения досконально изучали культуру XVII — начала XIX века. Бенуа публиковал статьи о художниках прошлого, а Дягилев написал монографию о портретисте XVIII века Дмитрии Левицком.

Может быть интересно

Саботаж, поэзия или свидетельство: откуда в искусстве берется пустота и что она означает

Любимое время Бенуа — Франция XVII века и Россия екатерининской эпохи. Сомов брал шире и изображал условный XVIII век, редко привязываясь к конкретному государству и историческим личностям. Валентин Серов, присоединившийся к «Миру искусства» позже остальных, обращался к петровским и екатерининским временам.

Евгений Лансере, «Императрица Елизавета Петровна в Царском Селе», 1905 год. Источник

«Мир искусства» задумывался как синтез художественных направлений — объединение художников универсального типа, не стесненных строгими рамками одного стиля. Главное — оригинальность идеи, непохожесть на привычное академическое искусство XIX века. Мирискусники приветствовали в своих рядах всех: поклонников европейского модерна, неорусистов (журнал публиковал работы Васнецова и Билибина) и даже авангардистов, которые только начинали появляться.

Обложка журнала «Мир искусства» 1899 года в стиле модерн. Источник

Единственное, к чему «Мир искусства» относился непримиримо, — это творчество передвижников, детально воспроизводивших исторические события и мир вокруг. Мирискусники бунтовали против устоявшихся традиций реализма: их ретроспективные картины рассказывают не о личностях и их месте в истории, как «Боярыня Морозова» Василия Сурикова, а о внешних атрибутах ушедшей эпохи. Бенуа, Сомова, Лансере и других в первую очередь интересовала эстетика ушедшего, декорации былых времен, незначительные бытовые мелочи прошлого. В их картинах нет ни одного реального исторического эпизода, они сами их придумывают.

Другая идея передвижников, которая претила «Миру искусства», — долг художника перед обществом. Картины Ильи Репина, Василия Сурикова, Ивана Крамского и других призваны нравоучать и воспитывать, рассказывать о социальных проблемах. Мирискусники настаивали, что художник никому ничего не должен. В основе их творчества — полная свобода, стилистические эксперименты и реализация на полотне любого каприза. «Мир искусства» — хулиганы от мира искусства.

Почти все мирискусники занимались графическим дизайном. Они иллюстрировали книги, журналы, создавали открытки и рекламные плакаты. Визитной карточкой объединения была виньетка — изобилующая лентами и цветами рамка, обычно украшающая начало текста.

«Первое, что всплывает при одном только упоминании „Мира искусства“, это образ изящной виньетки, затейливой линии и силуэта — это образ, оставленный его графикой. Что бы ни делали художники — книгу, журнал, театральную программу, конверт для визитных карточек, плакат, — свое предназначение они видели в том, чтобы украсить издание», — утверждал современник.

Евгений Лансере, виньетка из книги Игоря Грабаря «История русского искусства». Источник
Константин Сомов, обложка книги Константина Бальмонта «Жар-птица». Источник

У «Меча» своя типография. Нам регулярно поступают заказы на печать рекламы, которая тоже требует художественного оформления

После отмены крепостного права в России ускорилось развитие капитализма. Внутренний рынок разрастался, неминуемо росла и конкуренция между компаниями. «Реклама в век свободной конкуренции не роскошь, а необходимость!» — главный лозунг России конца позапрошлого столетия.

В Древней Руси купцы нанимали зазывал, которые ходили по улицам и расхваливали их товар. Первая печатная реклама появилась в организованной Петром I газете «Санкт-Петербургские ведомости». «У купца Якова Далмена на большой улице против Зимнего дворца продаются самые свежие устерсы, цитроны и каштаны повальною ценою, о чем через сие объявляется», — гласило объявление 1737 года.

До последней трети XIX века реклама в России почти всегда ограничивалась небольшим текстом, в котором рассказывалось о преимуществах товара. Но к концу столетия этого уже не хватало — рынок ширился, объявлений становилось слишком много и внимание потребителя рассеивалось.

Тогда на помощь предпринимателям пришла цветная печать: потенциальных покупателей стали заманивать пестрыми картинками с разнообразными шрифтами, орнаментами, рамками и замысловатыми виньетками. Именно в рекламе графическое искусство конца XIX — начала XX века развернулось в полную силу.

Раньше купцы и фабриканты размещали объявления только в газетах. Но на рубеже веков появилось новое средство рекламирования — плакат. В России интерес к нему возник после организации международных выставок плакатов в Петербурге, Москве и Киеве в 1898–1900 годах.

Читайте также

От богемных экспериментов к уличной наркомании. Как использовали и как запрещали опиаты во времена Томаса де Куинси, Вертинского и Рузвельта

«Нет ничего легче, как проследить в плакатах связь между искусством и экономической жизнью страны. Необходимость иметь рынок для сбыта и конкуренция создают рекламу. Реклама при этом ищет формы, которые должны как можно сильнее поразить массу, привлечь. Ей мало лаконичной вывески, мало объявления. <…> Фабрикант или торговец добиваются, чтобы в память потребителя врезались одни и те же слова, чтобы запомнился яркий образ, характеризующий предмет потребления, и художники создают для фабриканта искусство плаката», — писал в 1913 году журналист Юрий Бочаров.

Рекламные плакаты клеились везде: на стенах домов, каретах, конках, трамваях, автомобилях, пароходах. По улицам Москвы и Петербурга расхаживали люди-афиши, для рекламы устанавливались специальные тумбы. В театрах плакаты «украшали» кулисы.

Театральный занавес с рекламными объявлениями, 1910-е годы. Источник

Иногда в создании коммерческих плакатов участвовали профессиональные художники. Их рисовали члены «Мира искусства» Билибин, Бакст, Нарбут, Добужинский, Ремизов и другие. В 1911 году Нарбут нарисовал эскиз рекламы Товарищества М. О. Вольфа. В том же году Билибин создал плакат для пароходства «Кавказ и Меркурий».

Иван Билибин, реклама пароходства «Кавказ и Меркурий». Источник

Но в большинстве случаев рекламной графикой занимались безымянные авторы — умелые рисовальщики, равнодушные к высокому искусству и решившие зарабатывать своим талантом. В их творениях чистота стиля соблюдалась редко: модерн и неорусский стиль смешивались с реализмом и намеренно упрощались до уровня художественных запросов массовой аудитории.

Это приводило к появлению совершенно диких по внешнему виду рекламных плакатов: русский боярин покупает мыло на базаре времен царя Михаила Федоровича, женщина с развевающимися волосами в декорациях модерна рекламирует керосино-калильные фонари, а изогнутые виньетки обрамляют подковы и гвозди.

Источник

Такая «стилевая вакханалия» объяснялась коммерческой целью — любым способом привлечь внимание покупателя. Рекламирующие сельхозмашины богатыри в кольчугах не претендовали на место в Третьяковской галерее, зато приковывали взгляды прохожих. Еще одна причина — участие в создании рекламных иллюстраций самих заказчиков, зачастую малограмотных и лишенных художественного вкуса.

Древнерусская девушка в кокошнике наслаждается пивом «Калинкин». Источник

На рубеже XIX–XX веков художественным оформлением печатной продукции занимались акцидентные наборщики. Они работали в типографиях и проектировали внешний вид объявлений, плакатов, бланков, книжных и журнальных обложек, пригласительных билетов, меню ресторанов и т. д.

Рисовальня в типографии книгоиздателя Ивана Сытина, 1910 год. Источник

От акцидентного наборщика требовалось умение выполнить рисунок любой сложности, бегло сделать набросок в цвете, выбрать шрифт и орнамент, гармонично расположить текст и украшения. Сегодня его назвали бы графическим дизайнером.

«Акцидентный наборщик в некотором роде архитектор или музыкант-композитор. Он должен, как и они, обладать живою фантазиею, вкусом и особою способностью представления, <…> должен мысленно представлять себе общую картину сочетания разнообразных частей набора, а зачастую и различных красок».

— Петр Коломнин, «Краткие сведения по типографскому делу», 1899 год

Может быть интересно

Депрессия, музыка и секс: из чего сделан «Нож»

Гид для потенциального акцидентного наборщика журнала «Меч»

  • Перед печатью нужно подготовить эскиз желаемого изображения: набросать сам рисунок, распределить все главные строки текста, поместить украшения — виньетки, орнаменты, рамки — на нужные места. Сначала пишем текст, а потом обрамляем его украшениями. Не наоборот.
  • Текст должен быть набран понятными строчными (ни в коем случае не прописными!) буквами, чтобы читатель сразу же «схватил» смысл рекламы. Для вдумчивого чтения и разбора рекламного текста он не имеет ни времени, ни желания.

«Текст плакатов должен заключать в себе только самое необходимое. Если рисунок сам по себе рекламирует товар, то достаточно поместить лишь название этого товара на видном месте и адрес фирмы. Если же рисунок сделан лишь для привлечения внимания, без указания на свойства и качество товара, то нужно к этому прибавить возможно краткое указание на то, чем предлагаемый товар отличается от товаров других фирм. Необходимый текст должен печататься как можно крупнее и отчетливее и одним цветом; второй цвет допускается при большом тексте для выделения отдельных слов, но нельзя ни в каком случае разные буквы одного и того же слова печатать разными цветами. От такого сочетания красок получается невозможная пестрота в глазах».

— Из книги «Объявления и другие средства рекламы. Задачи рекламы, составление и распространение различных видов ее», 1904 год

  • Не смешивать шрифты разных видов. Ставить египетский шрифт рядом с готическим — безвкусица.
  • Косые и гнутые строки противоречат высокому стилю печатного искусства, однако часто заказчики требуют изобразить текст именно так — якобы для придания рекламе оригинального вида. На всё воля заказчика.
Пример рекламы с изобилием косых и гнутых строк. Источник
  • Еще одна важнейшая составляющая графики — орнамент. Он должен гармонировать со шрифтом и соответствовать тематике объявления. Украшение древнерусским орнаментом обложки меню французского ресторана — плохая идея.
Источник
  • Самый простой орнамент — прямая линия, она используется для обрамления газетных полос и текстовых объявлений. В первом случае линия орнамента по толщине не должна превышать толщину букв. Во втором это допустимо — для привлечения читательского внимания к рекламе.
Реклама слабительного, обрамленная жирной линией. Источник
  • Свободные орнаменты — это художественные украшения, в которых переплетаются цветы, листья, ленты, фигуры людей и животных, различные геометрические формы. Если орнамент образует рамку, ее стороны должны соединяться между собой, а не висеть в воздухе.
Пример удачного и неудачного исполнения орнаментальной рамки из «Руководства для наборщиков» Фридриха Бауэра. Источник
  • Нежелательно, чтобы орнамент был толще шрифта. Лучше наоборот.
  • При использовании украшений в стиле модерн важно не переборщить с листвой, стеблями и цветами. Рекламная графика — не самоцель, а способ привлечения внимания к продукту.
Пример рекламной афиши в стиле модерн, не перегруженной кучей лишних деталей. Причудливый шрифт, пластичные рамки, женский образ — не хватает только растительного орнамента. Источник

Готовы служить не только искусству, но и коммерции? Тогда присылайте портфолио из 10 рисунков в разных стилях. Наличие художественного образования желательно, но не обязательно

В начале XX века еще не существовало учебных заведений для обучения акцидентному набору. Зато были художественно-промышленные училища, где готовили рисовальщиков и мастеров декоративно-прикладного искусства. Одно из них — Строгановское, открытое графом Сергеем Строгановым в 1825 году. Помимо создания проектов на бумаге, в учебных мастерских строгановцы изготавливали декорированную керамику, эмалевые и другие ювелирные изделия, скульптуру и мебель, украшали ткани, расписывали интерьеры и театральные декорации.

Здание Строгановского училища в начале XX века. Источник

Больше всего времени уделялось изучению орнамента. Того требовал рынок — орнамент являлся самым популярным украшением и изображался везде, от керамической тарелки до рекламной афиши. В 1880–1890-х годах строгановцы изучали орнаментальные стили по таблицам английского архитектора-декоратора Оуэна Джонса и француза Огюста Расинэ. Среди прочего ученикам давалось задание: завести отдельный альбом и зарисовать в нем первобытный, греческий, римский, египетский, мидийско-персидский, византийский, готический и другие орнаменты из таблиц.

В 1889 году издательство Строгановского училища выпустило пособие «Краткие очерки орнаментальных стилей по Оуэну Джонсу, Расинэ, де Коммону, Перро и Шипье и пр.» на русском языке. Источник

С 1860-х годов, на волне популярности неорусского стиля, учащиеся и преподаватели Строгановского училища ездили по деревням и городам и зарисовывали с натуры украшения древнерусских памятников архитектуры (кузнечные изделия, резьбу по камню и дереву, украшения церквей и изб), в том числе декор владимиро-суздальских храмов XII–XIII веков, копировали орнаменты средневековых рукописей. Именно благодаря Строгановскому училищу Европа узнала об искусстве допетровской Руси — на Парижской выставке 1867 года строгановцы представили орнаменты X–XVII столетий.

В конце XIX века русский стиль оставался визитной карточкой Строгановки, ее ученики продолжали путешествовать в поисках образцов древнерусского искусства. Художник Николай Соболев, окончивший училище в 1893 году, вспоминал, как ездил в Ростов Великий, Ярославль и Углич для зарисовки старинных орнаментов.

В начале прошлого столетия Строгановское училище отличалось национальной спецификой и консервативным отношением к художественным стилям. Но для модерна преград не существовало. И постепенно в работах учеников стали появляться его характерные элементы: цветы, листья, извивающиеся стебли. Они переплетались с древнерусскими орнаментами, украшали эскизы посуды, печей и даже иконостасов. Происходил симбиоз неорусского стиля и европейского модерна. Это видно по «Сборнику композиций учащихся Строгановского училища» 1900 года: на рисунке воспитанника Барышникова изразцовую печь украшает ряд цветочных стебельков; а на мозаичном панно ученика Шведова сказочная птица Сирин сидит на длинном цветущем стебле.

Цветы возникали всюду, даже в строгих канонических композициях. В верхней части иконостаса можно разглядеть бутоны хризантем, не имеющих ничего общего с церковной тематикой. Источник

Модерн завоевывал Строгановское училище. Его позиции усилились во время Первой русской революции (1905–1907), заразившей молодых художников идеей отказа от всего старого и отжившего, от прежних авторитетов и творческих канонов.

«Появились в разговоре слова „декаданс“, „модерн“, „символизм“. Школьные композиции поколебались и приняли уклон в сторону новых впечатлений. Старые, устойчивые стили заметно модернизировались, несмотря на сопротивление руководителей», — писал воспитанник Строгановки Василий Воронов.

В 1907 году художник и преподаватель Строгановского училища Сергей Голоушев открыл долгожданную графическую мастерскую, где учащиеся упражнялись в рисовании и графике, исполняли заказы на плакаты, афиши, открытки и прочую типографскую продукцию. Лучшие выпускники получали звание художников-графиков.

Класс графики Императорского Строгановского Центрального художественно-промышленного училища, 1907 год. Источник

Опыт работы литографом или хромолитографом будет огромным преимуществом

В 1796 году немец Алоизий Зенефельдер произвел революцию в печатном деле — изобрел литографию. Это способ печати двуцветных изображений, при котором краска переносилась с камня на бумагу с помощью литографского станка.

На тщательно отполированном куске известняка литограф химическим карандашом или тушью рисовал нужное изображение, покрывал его специальным соляно-кислотным раствором, а затем наносил на камень типографскую краску. Она задерживалась только на местах с прорисованным изображением. Литографу оставалось положить на камень лист бумаги, придавить его дощечкой и загнать под пресс. Так и осуществлялась печать. В России литография появилась в 1820-х годах.

Источник

До этого для создания иллюстрации, будь то плакат или листовка, требовалось сначала изготовить гравюру на дереве или меди, а потом сделать с нее оттиск на листе. Зенефельдер удешевил и ускорил процесс: камень стоит намного меньше металла или древесины и использовать его можно сколько угодно — главное, тщательно отшлифовать перед повторным применением. А в случае с гравюрой для каждого рисунка приходилось вырезать отдельную заготовку.

В 1837 году парижанин Годфруа Энгельман придумал, как с помощью техники литографии печатать цветные изображения, и назвал это хромолитографией. Суть проста: рисунок раскладывался на цвета, а затем каждый из них поочередно отпечатывался на одном листе в нужных местах. Но еще до Энгельмана, в 1832 году, русский художник Корнелий Тромонин тем же способом проиллюстрировал книгу о князе Святославе, однако признания не получил и спустя 15 лет умер в нищете и безвестности.

«Опытный хромолитограф и рисовальщик принимает заказы на составление виньеток, обложек, титулов, меню, адресов и вообще всяких художественных, чертежных и орнаментальных работ».

— Объявление в журнале «Вестник графических искусств», 1897 год

В конце XIX — начале XX века вся цветная типографская продукция изготавливалась методом хромолитографии. Ей обучали и в Строгановском училище, в графической мастерской Голоушева. На занятиях ученики рисовали в том числе цветы и стебли, но не смешивали краски, а строго их разграничивали: каждый цвет, используемый в рисунке, помещался в маленький квадратик внизу листа.

Трехцветная хромолитография

Что почитать:

  • Е. В. Черневич, «Русский графический дизайн. 18801917». Небольшая монография с краткой характеристикой модных художественных стилей рубежа XIX–XX веков. Ее можно не читать, а разглядывать — в книге очень много иллюстраций. Обязательно полистайте, если картинок в статье вам мало.
  • Э. М. Глинтерник, «Реклама в России XVIII  первой половины XX века». В труде Элеоноры Глинтерник об истории рекламного дизайна в России началу XX века посвящена одна из глав. Остальные две рассказывают о зарождении рекламы в России и ее визуальных трансформациях при советской власти.
  • Н. Н. Плиский, «Реклама. Ее значение, происхождение и история». Работа Николая Плиского со множеством примеров рекламы из разных стран. «Реклама альфонсов», «Попугай в роли рекламатора», «Надгробный памятник как реклама» — эти и другие статьи ждут вас в книге. Конечно, если не боитесь дореволюционной орфографии — книга написана в 1894 году.